domingo, 29 de mayo de 2011

LADY IN BLACK / URIAH HEEP



"Lady in Black" es una canción de la banda británica Uriah Heep, que fue publicada en el año 1971 como parte de su disco Salisbury (que data de Enero del año 1971).
Para aquellos que no conocen a esta banda, podemos mencionar que nacieron en Londres, y tras escuchar las extraordinarias melodías de Led Zeppelin, Pink Floyd y Deep Purple, el guitarrista Mick Box y el cantante David Byron decidieron dejar sus respectivas bandas y empezar un nuevo camino musical ligado al Heavy Metal con algo de Rock Progresivo, una extraña pero llamativa mezcla de estilos que les daría muchos aplausos y felicitaciones de sus pares.

Entre su extensa discografía, uno de sus trabajos mas alabados por la crítica es su segundo Lp, el famoso Salisbury, un disco cargado hacia el Hard Rock con tintes progresivos que dejaba como resultado un puñado de llamativas canciones. Entre esas piezas aparece la misterioa "Lady in Black", una canción escrita por el tecladista Ken Hensley, y que estaba basada en una simple melodía, que eran tan pero tan simple que dos de las cuatro guitarras acústicas fueron grabadas por los "roadies" de la banda, ya que el resto de los muchachos se encontraban trabajando en otras canciones de ese proyecto musical.

En ella, Hensley nos cuenta la historia de un hombre que navega en medio de la oscuridad y los tristes paisajes de la guerra, y entre toda esa miseria encuentra a una misteriosa mujer que lo consuela y lo cuida.
Hasta ahí, "Lady in Black" suena como una joya poética, una pieza delicada y con una letra oscura pero con metáforas que sólo el oyente debe decifrar y poner a su gusto la temática.
Sin embargo, en los créditos del mencionado disco se menciona que "Lady in Black" fue escrita en Noviembre de 1970 en Bradford, y estaba inspirada por un suceso paranormal, tras ver el fantasma de una mujer desconocida.

Con ese dato, varios fanáticos empezaron a sacar conclusiones ligadas a lo paranormal basadas en esa misterios dama de negro. De hecho, en Inglaterra existe una leyenda ligada a una "Dama de Negro" que hizo de las suyas entre los años 1882 a 1889 y que fue vista por varios pobladores en Londres.
En Estados Unidos, tambien empezaron a buscar un significado a la canción, y muchos curiosos pasaron el dato que en una carretera que pasa por Texas, pasada la medianoche, se podía ver a una mujer de negro sentada al borde del camino. La leyenda contaba que esa mujer había sido abandonada por su marido, un empresario español, y hasta el día de su jeurte lo buscó y lo buscó en varias partes, y su espiritu sigue la misma senda...

Pese a que en varias entrevistas se le consultaba por el contenido místico y paranormal de la canción, ninguno de los integrantes de la banda dse refería a ese dato ni a dar conclusiones vagas de alto calibre.

En fin, es una agrado dejar esta canción dentro del repertorio del blog, y además hacer tributo a esta gran banda que a pesar de los años, no para de hacer Rock y marcar terreno ante tanta banda llenas soberbia y apetito comercial.
Que la disfruten!

sábado, 28 de mayo de 2011

BORN ON THE BAYOU / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL



"Born on the Bayou" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival que fue lanzada como single un 5 de Enero del año 1969 como Lado B de la clásica "Proud Mary". Además esta pieza musical está incluída en su segunda placa comercial titulada "Bayou Country", un disco marcado por la música sureña y lleno de hits que marcaron ese mítico año 1969.

El líder y cerebro de los Creedence, John Fogerty, contó en una entrevista con la Rolling Stone, que esta canción tuvo sus inicios tras un concierto que dieron en el Avalon Ballroom ubicado en San Francisco.
En esa ocasión, los Creedence entraban en séptimo lugar al escenario tras otras bandas que tambien participaban del show. Antes de entrar en escena, John empezó a tocar con un grupo de jóvenes que ordenaban los instrumentos. Asi fue como, John empezó a improvisar una melodía en su guitarra, mientras los dos "roadies" lo seguían al bajo y a la batería. Ese día tocaron una pieza improvisada que luego se llamaría "Born on the Bayou".

Si bien John Fogerty nunca vivió cerca de un pantáno, en esta ocasión, y con motivo de escribir la letra de esta canción, se imaginó como hubiese sido su infancia en esos sectores, y en especial en la fechas cercanas al 4 de Julio, dia de la independencia de los Estados Unidos."Estaba tratando de escribir como lo hacían los buenos compositores, o sea sin guitarra en mano, simplemente mirando la pared de mi departamento. En esas paredes me imaginé la historia, y escribí algo ligado al "Hoodo", o sea sobre algo mágico, místico, altamente espiritual, y que esta representado en un fantasma o una sombra, que no es necesariamente malo, pero sin duda es de otro mundo. En el fondo, quería escribir algo al estilo Muddy Waters. " señalaría J.C. Fogerty en una entrevista con la Billboard. "Born on the Bayou" es una canción que mezcla el buen rock (o "Swamp Rock") con realismo mágico. Con una introducción única, basada en una guitarra que lentamente aparece al vuelo y con una letra que retrataba varios aspectos culturales de estados Unidos, esta canción es un cuadro oscuro pero también fascinante y no exento de detalles que la dejan muy bien criticada.

Musicalmente, esta pieza es una joya, en donde cada acorde de guitarra es una joya, mientras un concentrado Doug Clifford lleva en su batería un ritmo sencillo que calza perfectamente en medio de los potentes riffs de los hermanos Fogerty.
"Born on the Bayou" fue el comienzo de un disco maravilloso, y además fue el primer paso musical en un año que marcó el éxito mundial de Creedence Clearwater Revival, una banda que dejó mucha fanaticada y que quedó en la historia del rock.

Les dejamos esta canción, que además es la favorita del maestro John Fogerty...
Que la disfruten!

viernes, 27 de mayo de 2011

MASTERS OF WAR / BOB DYLAN


Bob Dylan's MASTERS of WAR

"Masters of War" es una canción del cantautor Bob Dylan, que fue publicada dentro del repertorio de su segundo disco, titulado The Freewheelin 'Bob Dylan y que fue publicado el 27 de Mayo del año 1963.
Hablar de Dylan es hablar de un personaje universal. Es hablar de un artista que con guitarra en mano empezó a crear nuevas bases para el Blues, el Rock, el Soul o el Pop. Es hablar de un arquitecto de hermosas canciones, donde navega por letras simples, otras vanguardistas, otras surrealistas y un saco de canciones que eran tan filosas como los discursos y las amenazas que usaban los soldados estaunidenses en medio de la Guerra Fria.

Era 1960, y la guerra empezaba a tomar forma, y a ejercer terror entre las multitudes. Pero ahí estaban los pacifistas, esos que querían un mundo mejor, un mundo sin guerras ni conflictos a larga distancia como el que ya estaban viviendo en esos días. Y entre esos seres apareció un jóven que se hacía llamar Bob Dylan, y que con sus melodías ligadas al Folk se prestó para ser resistencia para buscar una solución a esos conflictos y transmitir en sus canciones todos los ideales de su gente.

Eran los días en que todo estaba ligado al miedo, ya que la Guerra fría estaba en su apogeo, y los cables informaban que Estados Unidos pasaba por una crisis de armamento, mientras que el bloque Soviético temía por una catástrofe nuclear.
En tierras norteamericanas, un 17 de Enero de 1961, el Presidente (y ex-Militar) Eisenhower habla en cadena nacional para referirse en grueso tono sobre el complejo industrial-militar que iba en estrecha relación con la defensa de la nación bajo los ideales de la libertad y la democracia.

Ante esas palabras, un enfurecido Bob Dylan empezó a escribir una canción como protesta ante esa bruta desición. Para ello tomó los acordes de una vieja canción del Folk británico llamada Nottamun Town, y que llegó a sus oídos gracias a una excelente versión de la cantante estadounidense Jean Ritchie.
Bajo esos acordes, Dylan escribió frases que iban en contra de todos los líderes políticos y funcionarios del Gobierno de los estados Unidos.
Bob no andaba con "chiquitas" y se dirige hacía esos personajes como "personas que construyen grandes bombas", los compara con Judas, e incluso usando esas ideas, declara que estos "personajes jamás serán perdonados por Jesús".

En una entevista sobre "The Freewheelin 'Bob Dylan", Dylan menciona sobre "Masters of War'": "Nunca había escrito algo así, en donde hablara sobre las muerte de las personas inocentes, pero no lo pude evitar. La canción es suave, pero es de protesta, como una reacción de ultimo momento y con una sensación muy ligada al "Qué podemos hacer?""
Estaba mas que claro el mensaje que quería transmitir Dylan. para él estos humanos de oscura alma y poco cerebros sólo querían ganar medallas y robar dinero por medio de una Guerra que sólo traía susto, sangre y muerte.

Una canción con sentido social, una canción que marcó a Dylan para comenzar una carrera llena de logros y con aplausos infinitos.
Larga vida a Bob... Que la disfruten!


miércoles, 25 de mayo de 2011

DADDY SANG BASS / JOHNNY CASH



"Daddy Sang Bass" es una canción del cantautor estadounidense Johnny Cash, que fue lanzada como single el 8 de Octubre del año 1968 y además for4ma parte del repertorio de su aclamado disco The Holy Land.
Cash es considerado por los especialistas como una de las figuras escenciales dentro de la música country, género del cuál supo crear nuevos estilos y experimentar nueva temáticas que iban mas allá de lo ya hecho en épocas anteriores por otros cultores de ese estilo musical.

La historia cuenta que a mediados del año 1968 Cash reclutó a varias leyendas de la música Country y del Rockabilly para hacer una gira por varios lugares de Estados Unidos. Uno de esos invitados era el "maestro" Carl Perkins, quien era muy amigo del mítico "hombre de negro".
En esas largas y llamativas sesiones de ensayo, Perkins le regaló una canción a Cash, de agradecimiento por invitarlo a participar de esa gira tan exitosa. La canción se llamaba "Daddy Sang Bass".

Por ese entonces Cash estaba muy interesado en los temas derivados de la religión, y esto tuvo su inicio desde que hizo una visita a Israel junto a su esposa June Carter Cash.
Perkins, que para escribir canciones era un fenómeno, le cedió esta pieza a Johnny ya que iba dedicada a todas esas familias que gustaban ir a la iglesia a cantar y a dar gracias al Señor por todo lo entregado en los días de trabajo. De hecho, en la parte media, se incluye un extracto del clásico country "Will The Circle Be Unbroken ", cuya autoría es de Alvin Pleasant Carter y que data del año 1935 en voz del grupo The Carter Family.

Antes de ser lanzada como single, Cash y Perkins tuvieron que pedirle permiso a A.P. carter, para que cediera los derechos de la canción y así no caer en temas judiciales. Asi fue como tras varias semanas de trámites y reuniones, Cash estaba listo para grabar esta hermosa canción que simplemente es un homenaje a la música y al compartir en familia tras esos acordes.
Finalmente, en la grabación de esta canción participaron June Carter Cash y los Statler Brothers, agrupación que tambien formó parte de esa mítica gira por los Estados Unidos, y que hizo buenas "migas" con Cash por esos días.

El 4 de Enero de 1969, Columbia Records informaba a Johnny que "Daddy Sang Bass" había llegado a la cima del Billboard Hot Country Singles, y sin querer queriendo(?) estaría en esa posición por casi 6 semanas continuas conviertiéndose en uno de los singles mas exitosos de este cantante que es toda una leyenda de la música Country.
Que la disfruten!

domingo, 22 de mayo de 2011

GOING TO CALIFORNIA / LED ZEPPELIN



"Going to California" es una canción de la banda británica Led Zeppelin que está incluída en su famoso disco Led Zeppelin IV, lanzado en Noviembre de 1971.
Dicho disco es uno de los más aplaudidos por la crítica, debido a que en ese trabajo estos cuatro chicos de Londres lograron la mezcla perfecta entre el hard Rock, el Blues y el Folk, logrando canciones que dan cátedra en cuando a composición y experimentación, y que ayudaron a formar la leyenda que es hoy la marca Led Zeppelin.

La historia cuenta que a finales del año 1970 Jimmy Page, el ingeniero de sonido Andy Johns y el manager Peter Grant fueron testigos de un sismo en Los Ángeles, el cuál los dejó muy asustados y sorprendidos al ver que la tierra en un solo movimiento nos puede dejar débiles y temerosos.
Asi fue como Page escribió en pocos días una canción llamada "Guide To California", y en ella dejó toda su impresión sobre los terremotos que azotaron a California.

Musicalmente la canción era un tema Folk, y estaba inspirada en las composiciones de Joni Mitchell, mítica cantante canadiense que por ese entonces tenía "locos" a Jimmy Page y a Robert Plant.
Pasaron los días y la canción ya tenía otro nombre: "Going to California" y además contenía un nuevo instrumento en sus filas. Se trataba del bueno de John Paul Jones, quien se colgó del hombro una mandolina y se unió a Page, quien con su guitarra acústica había creado una melodía muy llamativa.

Pero los cambios también tocaron a la letra, que pasó de hablar sobre los terremotos a una letra oscura y casi biográfica que además trataba de la búsqueda de una mújer, o de una metafórica mujer.
En una sesión nocturna a inicios del año 1971, en una de las casas que había arrendado la banda para grabar este extraordinario disco, y de manera espontánea grabaron esta hermosa canción con todos sus detalles y adornos.
En el año 2002, Page declaró en una entrevista que esta canción trataba sobre " la impresión de los primeros años del grupo, cuando tenía aproximadamente 20 años y estaba luchando por encontrarme a mí mismo en medio de la locura de California, las bandas y las groupies…"

En fín, es un agrado dejar en este post una de las canciones mas memorables de una de las bandas emblemas de la historia del Rock, y que gracias a "Led Zeppelin IV" le mostraron al mundo que podían romper el mundo con un disco demoledor y atractivo para todo amante del rock de verdad.
Que la disfruten!

sábado, 21 de mayo de 2011

HOT CHILD IN THE CITY / NICK GILDER



"Hot Child in the City" es una canción del músico canadiense Nick Gilder, que fue lanzada como single en el año 1978 y que forma parte de su segundo disco solista titulado "City Nights".
Nick Gilder, quien nació en el Reino Unido y desde los 10 años de edad que vive en Vancouver, comenzó su carrera musical a finales del año 1974 cuando actuó como el "front-man" de una banda de Glam Rock llamada Sweeney Todd , con la cuál llegó a obtener buenas críticas con la famosa canción "Roxy Roller" en 1975.

Tras ese éxito, Gilder se puso en la frente la idea de alcanzar la fama internacional, que decidió abandonar la banda, y junto con su amigo, el guitarrista y compositor, James McCulloch firmaron un contrato discográfico con Chrysalis Records para potenciar una carrera en solitario. Su primer intento como solista fue re-lanzar en 1976 una nueva versión de "Roxy Roller" sólo para los Estados Unidos. Si bien, en un principio esta idea sonaba muy positiva para hacer buena promoción a Gilder, en pocas semanas casi se van de espaldas al saber que una reestructurada formación de Sweeney Todd tambien lanzó una nueva versión de ese éxito de 1975. Obviamente esos dos singles causaron confusión entre los oyentes, quienes quedaron impactados con esta situación tan poco usual en el mercado musical de esos años.

Tras ese sorprendente episodio, Gilder intentó marcar la cancha e intentar contactar al mítico productor de The Beatles, el gran George Martin, para que fuera el productor de su primer LP. Tras la negativa del "quinto Beatle", Gilder tuvo el respaldo de Stuart Alan Love, con quien en 1977 trabajaría y publicaría su debut solista con el LP "You Know Who You Are".
Tras un éxito moderado y sin tantas propaganda en los medios, Gilder no se quedó de brazos cruzados y decidió poner todas sus energías para su segunda placa musical.

Asi fue como a mediados de 1978 aparece en las tiendas de discos "City Lights", un trabajo con un toque mas cercano al Pop y muy influenciado por la mano del productor Mike Chapman, quien fue el elegido por Gilder en esta ocasión.
En dicho disco, aparece una canción que de inmediato llama la atención entre los oyentes y fanáticos, se trata de: "Hot Child in the City." , una canción que hablaba de manera crítica y sin tantas metáforas sobre la prostitución infantil.

La historia cuenta que Gilder compuso esta canción mientras viajaba de Vancouver a Los Angeles, California. En esa ocasión el músico quedó impactado con el paisaje nocturno que estaba muy marcado por adolescente de 15 y 16 años de edad que trabajana como prostitutas y que se paseaban de esquina a esquina con hombres adultos que compraban el placer de una noche de amor.
"Creo que todo pasa por su ambiente familiar, y que eso eso lo las llevó a esa distracción de su vida. Pero esa distracción se les escapó de las manos, y ahora estan atrapadas en algo aún mas peor. Es doloroso lo que escribí en la canción, pero lo hice desde la perspectiva de alguien que no está metido en eso, y bajo la apariencia de una inocente canción Pop" señalaría años después Gilder en una entrevista con un medio estadounidense.
En 1978, en una entrevista con la Rolling Stone, Nick, al ser consultado por su visión del mundo y lo que reflejan estas ideas en sus canciones, explicó que: "Es algo importante, e influye en todo lo que hacemos y muchas veces no lo entendemos o lo interpretamos mal. Es nuestra primera interrogante, y le puede pasar a cualquiera. Yo escribo historias, de esas que hay a nuestro alrededor porque a la gente le intriga mucho estas temáticas. "

Nick Gilder quedó muy a gusto con esta canción y no dudó ni un segundo en que esta sea su primer single de esta placa.
La elección fue buena, ya que "Hot Child in the City" debutó en el Billboard Hot 100 el 10 de Junio de 1978 (en el puesto #88) y demoró casi 20 semanas en llegar al primer lugar, lo cuál fue un record ya que ningún single había demorado tanto en llegar a la cima de ese respetado chart.

Finalmente la canción llegó a ser un hit de los 70's, y hasta ha sido usada en la banda sonora de varias películas y series.
Este fue el gran hit de Nick Gilder, un músico interesante, dueño de una voz rara pero cálida y que quedó para siempre dentro de la historia del Rock/Pop con este verdadero temazo.
Que la disfruten!

sábado, 14 de mayo de 2011

GOOD GIRLS DON'T / THE KNACK



"Good Girls Don't" es una canción de la banda estadounidense The Knack, que fue lanzada como single en Agosto del año 1979 y que está incluída en su famoso disco debut "Get the Knack" que está cosiderado como uno de los trabajos mas emblemáticos del Rock/Pop de finales de los 70's.
Formada por el cantante y guitarrista Doug Fieger, el guitarrista Berton Averre, el bajista Prescett Niles y el baterísta Bruce Gary, cuatro jóvenes de California, esta banda se quedó para siempre en la historia de la música popular gracias a su emblemática "My Sharona", canción que marcó la pauta dentro de las creaciones ligadas al Pop.

En tan sólo 10 días, Los Knack lograron elaborar un disco potente, de alta influencia y que venía marcado por la "vieja escuela" de The Beatles, Kinks y Los Who, que según ellos eran sus bandas favoritas.
La gente siempre se queda con "My Sharona" pero no se acuerdan de los demás temas que también marcaron pauta en ese emblemático disco. Entre ese lote de canciones aparece la magnífica "Good Girls Don't", una canción con aires sesenteros y que estaba producida por el "capo" Mike Chapman, quien tenía en su curriculum el haber trabajado con bandas tan famosas como "Sweet" y "Suzy Quatro".
El trabajo hecho por Mike en esta nueva pieza de Doug Fieger fue impresionante y marcó una nueva pauta dentro de las creaciones del Pop en esos años.

Esta nueva pieza, llamada "Good Girls Don't", tiene toda esa potencia del New Wave mezclada con una letra "picante" que habla sobre una chica que tiene demasiado "arrastre" entre los "machos" de su escuela secuundaria.
Con varias frases metafóricas de alto calibre, esta canción salió al aire en Agosto de 1979 y en pocas semanas ya estaba en el puesto #11 del Billboard Hot 100, dejando nuevamente a los Knack en la cima de los charts.

Pero fue la letra de la canción la que causó más impacto que la música en sí. Es que diversos medios conservadores y ligados a las Iglesias, tomaron muy a pecho ciertas frases que mencionaba Fieger e intentaron censurar la canción ya que supuestamente hablaba sobre una joven que ejercía prostitución en su escuela!!!.
Estos inocentes seres humanos defendían una vida sana y fuera de las reglas liberales, asi que intentaron tomar sus fundamentos echando atrás a esta pegajosa canción... Pero no lo lograron!

Les dejamos este temazo de alto calibre... Que la disfruten!

viernes, 13 de mayo de 2011

MA BAKER / BONEY M



"Ma Baker" es una canción de la banda alemana Boney M, que fue lanzada como single un 22 de Mayo del año 1977 y que está incluída en su aclamado disco Love for Sale, segunda placa comercial con la cuál se dieron a conocer en todo el mundo con clásicos que quedaron en la historia del fenómeno de la onda Disco.
Boney M logró un éxito rotundo en Europa, en donde conquistarpn todas las pistas de baile y se convietieron en una leyenda de la música Pop de la mano del mítico productor Frank Farian.

La historia de esta canción empieza un año antes de su publicación cuando Hans-Jörg Mayer, asistente de Frank Farian, encontró un viejo disco que incluía una llamativa canción del folclor de Túnez cuyo título era "Sidi Mansur". El músico quedó muy a gusto con esa melodía y empezó a buscar una base armónica para llevarla a un sonido mas ligado al "Disco" (que en esos días era la música de moda en las radios y en las discotecas).

Con la música en mano, el productor Farian le pidió ayuda al compositor Fred Jay para que escribiera la letra a su nueva creación. Jay se dió el lujo de escribir una historia fictícia que incluía a la famosa criminal estadounidense Kate "Ma" Baker, quien en los años 30 hizo de las suyas como la líder y cerebro de la banda Barker-Karpis, en donde compartía "pega" con su tropa de hijos, quienes quedearon dentro de la triste historia criminal de los Estados Unidos.
En esta canción, Jay se inspira en la figura de "Ma" Baker, que al igual que muchos "artistas" del crimen organizado, quedó como una leyenda, en especial por apoyar a sus hijos en su carrera como asaltantes de bancos.
Un 16 de Enero del año 1935, y tras un tiroteo con tra el FBI, "Ma" Baker pierde la vida en una cabaña ubicada en Lake Weir en la región de Ocklawaha en Florida junto a su hijo Fred, quien era en realidad el verdadero objetivo de la policía estadounidense. La historia cuenta que en esa ocasión los oficiales del FBI dispararon casi dos mil cartuchos de municiones, siendo el tiroteo mas recordado en la historia de la principal rama de investigación del Departamento de Justicia de USA. Asi fue como, inspirados en ese personaje, Farian y Jay dieron rienda a esta canción que mezclaba algo bailable con una historia real, algo inédito hasta ese entonces...

En el proceso de grabación, los productores invitaron al locutor de radio, Bill Swisher y a su esposa Linda Blake para que incluyeran sus voces dentro del relato. Finalmente el locutor lee un comunicado del FBI y su mujer es la encargada de darle vida a la popular frase: "Freeze, I'm Ma Baker, put your hands in the air! Gimme all your money".
Swisher y Frian eran amigos, y se habían conocido cuando ambos formaban parte del servicio Militar y compartían escuadrón. Desde ese momento, ambos "capos" empezaron a trabajar juntos, de manera muy especial con varias canciones de los Boney M, quienes eran la "joyita" económica del productor.

Tras ser publicada como single, "Ma Baker" logró llegar al primer puesto del Eurochart Hot 100 y de las listas de Noruega. Semanas después, la canción llegaba al segundo lugar del UK Singles charts, siendo uno de sus hits mas populares, en cuanto a ventas y reproducciones.

Les dejamos este temazo de Boney M, una agrupación de estudio, que comenzaron como un simple proyecto experimental y terminaron siendo una de las bandas mas populares de la música Disco con hits inmortales...
Larga vida al gran Bobby... Que la disfruten!

lunes, 9 de mayo de 2011

MAXWELL'S SILVER HAMMER / THE BEATLES



"Maxwell's Silver Hammer" es una canción de la famosa banda británica The Beatles que aparece en su álbum Abbey Road, que fue publicado en Septiembre del año 1969.
Pese a que fue lanzado antes que "Let It Be", este disco fue oficialmente el último trabajo de esta maravillosa banda que cambio casi todo en la historia de la música Rock. Para muchos críticos, este "Abbey Road" fue la despedida magistral que toda banda soñaba, porque se trata de un disco completo en cuanto a lo musical, donde cada integrante aportó canciones de alta calidad y la experimetación musical salió a flote en su máximo esplendor.

Dentro de este megnífico trabajo musical encontramos una llamativa y tragicómica pieza musical llamada "Maxwell's Silver Hammer", que habla sobre un estudiante de medicina, llamado Maxwell, que se convierte en un asesino en serie tras mandar al "cielo" a su novia, sus maestros y al mismísimo juez que lo estaba enviando a la cárcel.
La historia de esta canción empieza en Octubre del año 1968, cuando un motivado Paul McCartney le presentó a sus amigos una nueva canción, y que podía formar parte del "White Album", disco que estaban grabando en esos días. Finalmente la canción no logró entrar en el tracklist de ese disco y fue guardada por "Macca" para el próximo trabajo de la banda.
"Maxwell's Silver Hammer era una metáfora sobre esos días en que por algún motivo inoportuno todo sale mal. En ese periodo de mi vida me pasaba casi siempre esas cosas. Yo quería algo fictício para esconder la historia, asi que inventé a este personaje llamada Maxwell, que además tenía un martillo de plata. No me preguntes por qué ese martillo era de plata, ya que simplemente rimaba en la canción... Todavía uso esa expresión cuando sucede algo nesperado" comentaría años después Paul McCartney en una entrevista con Barry Miles.

Tras no aparecer en el mencionado disco, Paul no se quedó de brazos cruzados e hizo reaparecer la canción en la época en que la banda empezó a trabajar en los Twickenham Film Studios, en enero de 1969.
De hecho, en el (triste) documental "Let it Be" se puede ver a Paul enseñándole a sus compañeros de banda esta canción. Lo más llamativo de esa sesión es observar las caras largas de sus compañeros, y eso se debía a que "Macca" estaba muy motivado para que esta canción sea un single promocional, y siempre que tenía tiempo pescaba a los tres Beatles y empezaban a ensayarla.

Uno de los que jamás gustó de esta canción fue John Lennon, quien declaró que "Maxwell's Silver Hammer" era una basura y que Paul "hizo todo lo posible por hacerlo un single, y nunca lo fue y nunca debió haberlo sido". Según Lennon esta canción fue la que gastó más dinero que cualquiera otra en Abbey Road, encuanto a producción.
Durante los tres días en que se grabó la canción (del 9 al 11 de Julio de 1969), el único Beatle que no participó de esa sesión fue John Lennon, quien se encontraba algo adolorido tras sufrir un accidente de tránsito junto a Yoko Ono en Escocia.

Ante esas palabras de su compañero de banda, Paul defendió a su canción comentando que las palabras de Lennon eran simplemente influenciadas por la envidia: "Lo que comenta Lennon es algo engañoso, ya que se enojó porque Maxwell's Silver Hammer tomó tres días para ser grabada. Gran cosa!!"
Otro que criticó esta pieza de "Macca" fue George Harrison, a quien no le gustaban estas canciones tan dulzonas y cursis. Pero el que rompió el silencio y dejó bien puesto sus pantalones ante esa etapa de The Beatles fue el baterista, el popular Ringo Starr, quien en una entrevista con la Rolling Stones, en el año 2008, declaró sin pelos en la lengua que " la grabación de Maxwell's Silver Hammer fue la peor sesión de todas. Fue la peor canción que tuvimos que grabar y mas encima se prolongó por tres días. Fue una semana de mierda"

Nadie lo puede negar, pero esta interesante trama de "Maxwell's Silver Hammer" es divertida y esa mezcla de Pop/Rock la deja como una pieza interesante dentro del disco. Con un "Macca" que canta con una voz chistosa, con sabor a despedida dulce y locura a la vez.
En el coro, ya escuchamos a un McCartney que canta como si estuviera en un cumpleaños, y todo tiende a ser mas infantil cuando aparece Ringo y su "solo" de yunque.
En esta canción Paul se luce con una parte hecha en su sintetizador Moog, instrumento muy poco usado en ese entonces por los artistas del rock, y que en esta pieza musical tuvo una aparición muy llamativa para otros "genios" de pelo largo.

Lesd ejamos esta canción tan críticada por sus intérpretes pero que no deja nada de mal para los críticos. Una canción no tan escencial para la trayectoria de esta mítica banda pero que quedó como una canción que pudo ser un gran proyecto...
Que la disfruten!

domingo, 8 de mayo de 2011

BICYCLE RACE / QUEEN



"Bicycle Race" es una canción de la banda británica Queen, que fue lanzada como single el 13 de Octubre del año 1978, y además está incluída en Jazz, el séptimo disco de esta emblemática agrupación que dejó un gran aporte al Rock de verdad.
Jazz es uno de los discos más interesantes de esta banda inglesa, ya que contiene melodías muy potentes y clásicas, demostrandole a todo el mundo que su talento iba más allá de lo que decían los críticos en diversos medios de comunicación.

Tras el lanzamiento de News of the World, la carrera musical de Queen ya estaba dando frutos en materia de ventas, en especial por el logro de entrar en los primeros lugares de los charts estadounidenses.
Para toda banda inglesa conquistar el mercado norteamercano era celebrado como quien ganara la copa del Mundo, y Queen lo había logrado con su excelente single que incluía dos emblemáticas melodías: "We are the Champions" y "We Will Rock You". Con estas dos piezas musicales Queen había logrado tocar las estrellas y muchos ya decían que quedarían dentro de la historia del rock con esos tremendos himnos que sonaban permanentemente en las radios mundiales.
Freddie y compañía quedaron muy a gusto con esa fórmula de promoción y en plena grabación de "Jazz" se empeñaron en escribir dos canciones que fueran todo un éxito y marcaran esta tendencia positiva, en cuanto a ventas.

Asi fue como en Julio del año 1977, en medio de una gira junto a su banda por Francia, el vocalista Freddie Mercury se dió un tiempo para ir a observar el famoso Tour de Francia en Niza. Tras observar y vibrar con ese espectáculo deportivo, Mercury llegó a su habitación de Hotel y empezó a escribir una canción que hablara sobre bicicletas.
Bajo una interesante cortina musical, donde Freddie demuestra todo su talento como compositor de buen Pop, la canción se pasea en frases muy irónicas que incluyen a varios personajes y episodios históricos de los 70's, como: Star Wars, Watergate, Peter Pan, Frankenstein, Superman, Vietnam entre otros detalles.

Tras escribir esta canción, Freddie decidió promocionarla con algo que llamara la atención y su idea fue bien criticada, pero a la vez llamó la atención de los medios.
Resulta que el vocalista de Queen llamó al director Dennis de Vallance y le dijo que quería que la canción tuviera un videoclip marcado por una vuelta ciclística de féminas pero sin ropa, o sea a "potope".
Con esa idea en mente, el director citó a 65 modelos a que se sacaran la ropa y se subieran a sus bicletas (arrendadas especialmente por la banda) para empezar una carrera dentro del Wimbledon Greyhound Stadium. Mientras las hermosas chicas corrían en sus bicicletas, Dennis de Vallance grababa esas imagenes que quedarían en la historia de los más polémico del Rock.

Pero esta artística y loca "performance" no fue muy entendida por el sector conservador de Inglaterra, quienes al enterarse de los que había hechos la banda empezaron a protestar y entablar querellas ya que se habían pasado de la raya...
Queen no lo podía creer, ya que en esa semana, y por culpa de su canción y el video, hubo varias protestas e incluso la empresa que había arrendado sus bicicletas decidió no recibir las bicicletas usadas en esa ocasión admitiendo que eso era algo "poco higiénico".

La cosa reventó cuendo salió el single ( en cuya cara A estaba "Fat Bottomed Girls") y que incluía una foto con las mujeres desnudas sobre sus bicicletas. Con ese gesto apareció la censura de su casa disquera, que ante las quejas de los sectores conservadores decidió cambiar la portada del single (que incluía a una chica montada en una "bici" pero sin ropa y de espalda) y de paso no incluír esa comentada foto, salvo el caso de los fanáticos que pedían el disco y se les enviaba por correo la oferta original. Pero en las disqueras la censura puso su diente...

Pese a esa polémica, Queen lograba llegar a lo mas alto de los charts en todo el mundo. En Noviembre de ese año la canción llegaba al puesto #12 del UK Singles charts y se mantuvo ahí por casi 11 semanas. Mientras tanto, en Estados Unidos la canción alcanzaba el puesto #24 del Billboard Hot 100, lo que fue muy valorado por la banda.
La misma historia ocurrió en Irlanda, Noruega, Suecia, Alemania y Holanda, quienes se embarcaron muy felices en sus biciletas y corrieron junto a esta maravillosa pieza musical que nos dejó esta magnífica banda.
Que la disfruten!

viernes, 6 de mayo de 2011

BAND OF GOLD / FREDA PAYNE



"Band of Gold" es una canción de la cantante y actriz estadounidense Freda Payne, que fue lanzada como single en Abril de 1970, siendo uno de sus hits más recordados.
Freda, que era la hermana mayor de Scherrie Payne (integrante de Supremes en los 70's), destacó en la escena musical norteamericana por su gran voz, la cuál siempre fue comparada por su pequeña estatura. Por ello, diversos medios de comunicación señalaban que Payne era una pequeña mujer dueña de una gran voz.

Desde que era una niña, con sólo 5 años de edad, Freda empezó a estudiar Piano en la Detroit Institute of Musical Arts y en pocos años logró tocar frente a grandes y chicos en diversos actos escolares, aniversarios de ciudades y varios eventos sociales. Desde ese entonces le tomó afecto a los aplausos...
Pero Freda quería ser conocida en todo su país, asi que con la ayuda de sus padres, ella empezó a participar en todo programa "busca talentos" que aparecía en la TV.
Tras quedar en segundo lugar en uno de esos programas de televisión, el señor Berry Gordy se acercó a Freda y la invitó a participar de una sesión de grabación. Por ese entonces, el empresario musical estaba planeando la formación de su empresa musical mas emblemática: La Motown.
Yaen el momento de la grabación, que tuvo como productor a Gordy, fue enviada a varios sellos importantes, pero ninguno dió una respuesta positiva. Hasta que, días después, un sello importante de Nueva York decidió contratar a Freda y la citó a firmar un contrato con cifras sorprendentes.
Gracias a la ayuda de sus padres, Freda viajó a NY para firmar ese contrato. Pero cuando llegaron al sello, y tras conversar con los productores de ese sello, la madre de la cantante decidió romper el contrato admitiendo que su hija "no iba a ser una cantante de Rock and roll", y de ahí la cosa cambió su rumbo...

Pasaron los años y Freda siempre tuvo intactas esas ganas de ser una estrella del canto. Pero una nuvea oportunidad aparecería en el año 1969, cuando se encontró en un show con su amigo de infancia Brian Holland, quien además era un famoso compositor y productor que estaba a la cabeza del sonido Motown. Por ese entonces su amigo había cerrado las relaciones con el sello de Gordy y junto a su hermano Edward y un amigo llamado Lamont Dozier crearon una nueva empresa musical, llamada Holland-Dozier-Holland.
Brian invitó a a la cantante a que participára en su sello musical bajo su respaldo, y ella no lo pensó dos veces, y dió el sí. "Hasta ese momento, había tenido buena suerte en casi todo, buenas actuaciones en los escenarios y ningún problema en los negocios. Pero aún me faltaba alguien de confianza para que me respaldara y promocionara bien mis shows, por ello les dije que sí, porque ellos estaban preparados y yo también" declararía la cantante años después a un medio norteamericano.

Brian Holland logró negociar un contrato con el sello Invictus, y le dijo a los productores que ella iba a ser una gran estrella del Jazz y del Pop.
El trío Holland–Dozier–Holland le cedió a la cantante una canción llamada "Band Of Gold", con el fín de que esta sea su primer hit.
"La primera canción que me dieron fue" Band of Gold', y tras escucharla simplemente dije "¿Qué es esto?. Sentía que esta canción era para una cantante de diecisiete años de edad, ya que la encontraba infantil" señaló en una entrevista Freda al ser consultada por su reacción al escuchar por primera vez esta canción.
La razón por la cuál Freda odiaba esta canción era simplemente por su letra. Ella encontraba que esa canción hablaba sobre una mujer vírgen o ingenua en el plano sexual, y tras eso pensó que sería mas cercana al publico si la cantara una adolescente, y no una mujer adulta.

Y la historia es verdadera, ya que Brian Holland tuvo que convencerla a que grabara esta canción, y ella simplemente rechazó la propuesta en varias ocasiones. "Habiamos trabajado casi una veintena de canciones en casi seis meses y yo estaba seguro de que "Band Of Gold" iba a ser un éxito. Fueron seis meses en donde intentamos que la grabara y nada. Hasta que un día se sentó a ensayarla y decidimos tirarla como primer single" comentaría Brian Holland.
Otro que ayudó a convencer a la cantante fue el productor Ron Dunbar (quien además fue el co-escritor de la canción) quien en una sesión de grabación se sentó frente a Freda y le dijo: "No te preocupes por la letra. No es necesario que les guste a todos! Sólo tienes que cantar". Y tras esa conversación Freda grabó la canción sin saber que esta sería su primer gran hit.

Tras grabarla venía otro problema para los productores, aunque este venía del tema legal. Es que debido a que los hermanos Holland aún mantenían una querella con el sello Motown, sus abogados decidieron que no sería conveniente que saliera una canción firmada por ellos, asi que les pidieron al trío de compositores que firmaran la canción con un apodo. Por ello en los créditos de la canción aparece como autor una tal Edythe Wayne, que es simplemente el disfraz intelectual del trío de compositores.

Finalmente "Band of Gold" fue lanzada en Abril de 1970, y en Julio ya estaba entre los singles más vendidos. En Estados Unidos la canción llegó al tercer puesto del Billboard Hot 100 y quedó dentro del Top Ten por casi veinte semanas. Además, en su país, obtuvo un disco de Oro.
En el Reino Unido también esta canción fue un hit, e incluso llegó al puesto #1 de los charts, quedando como una estrella del Pop en esas tierras donde hay buen fútbol.

Un hit setentero de alto calibre, y que no debe faltar en ningun compilado de esa década llena de buena música...
Que la disfruteeeeeen!

lunes, 2 de mayo de 2011

BILLIE JEAN / MICHAEL JACKSON



"Billie Jean" es una canción del famoso músico estadounidense Michael Jackson que fue publicada el 3 de enero de 1983.
Esta canción, además forma parte de su exitoso LP Thriller, que fue su trabajo musical mas aplaudido ya que el excéntrico múscio deja muy en claro su calidad como compositor, y además marca un periodo dentro de la historia de la música con detales exteros que los dejaron coronado como el "Rey del Pop".

La historia cuenta que a fines del año 1981 una fanática anónima empezó a acosar de manera extrema al tímido Michael Jackson. Su acoso iba desde enviar cartas casi todos los días hasta seguir a todas partes a su ídolo. Pero si hubo algo que marcó en la historia del cantante fue cuando esta fanática le envió una de las tanta cartas pero esta vez con un mensaje muy particular: Le señalaba que el padre de su hijo era Michael Jackson y que iba a ir a tribunales para probar la paternidad. Esa noticia marcó a MJ, y lo llevó a estar mas inseguro de su vida artística, y de paso decidió esconderse aún más de los fans y la prensa.
"Sí, es verdad. Esta canción era sobre una chica que logró subir mas allá de su muralla. De hecho, Michael cuenta que un día se despertó una mañana y quedó muy asustado al ver a esa mujer recostada en su piscina en traje de baño. Para él esa niña era una acosadora, y de paso ella lo acusó de ser el padre de uno de su hijos" señaló el productor Quincy Jones en una entrevista con la Rolling Stone en el año 1999.

Con esa idea en la cabeza, Michael Jackson se dispuso a escribir una canción que retratara ese insólito momento.
Mientras empezaba las grabaciones de Thriller, MJ se tomó unas horas de descanzo y aprovechó de salir junto a su amigo Nelson Hayes a conocer varios lugares de Ventura y derrepente se le ocurrió un buen ritmo, que además era bastante pegadizo.
Michael quedó muy a gusto con su nueva creación, tanto fue que le pidió a Hayes que volvieran de inmediato al estudio a grabar antes que se le olvidara gran parte de las notas. Hayes dió la vuelta y el auto quedó con el motor apagado y esperaron hasta que el arranque funcionara. Ambos no sabían que hacer, hasta que derrepente apareció un jóven en motocicleta y le informó que su Roll-Royce estaba en llamas y los animó a que salgan de inmediato antes que se convierta en tragedia
"Ese chico nos salvó la vida. Si el coche hubiera explotado quizás no estaría aquí contándolo. Yo no atinaba a salir porque estaba tan a gusto con esa melodía que flotaba en mi cabeza que ni siquiera pensé en el trágico momento que vivií " comentaría años después MJ en una entrevista a un medio británico.

Una vez en el estudio de grabación y tras salvar su vida, Michael empezó a grabar la canción de manera "casera" y estuvo casi 3 horas arreglando la parte de los bajos.
Una vez que la terminó, el músico pescó la cinta y se la fue a presentar al productor Quincy Jones, con quien estaba trabajando en su proyecto Thriller.
La primera crítica que salió de la boca de Quincy Jones fue la extensa duración de la intro del tema. Jones no gustaba mucho de esa idea y le pidió a MJ que la modificara, pero este simplemente le respondió con un rotundo" no". "La razón de Michael de incluír una introducción de alta duración era por sus ganas de bailar. Y cuando Michael andaba con ganas de bailar siempre terminaba ganando" comentaría en el año 2009 el productor .

Otra crítica que tuvo Jones hacía la canción era el nombre del título, ya que tenía miedo a que la gente la asociara como un homenaje a la famoso tenista estadounidense Billie Jean King. Jones quería titularla "Not my Lover", pero Michael ni lo pescó, total la canción era suya...
Asi, y en una sola toma, MJ grabó su emblemática "Billie Jean", que en el fondo no era un homenaje a esa aplaudida tenista, sino que era un personaje fictício hecho para hablar sobre esas mujeres que le inventaban falso hijos al cantante y a sus demás hermanos, cuando estaban en la cima del mundo musical con los Jackson 5.

Con una mezcla entre R&B y Funk, "Billie Jean" la rompió en las radios y en los charts tras vender más de dos millones de copias y llegar al puesto #1 del Billboard Hot 100, donde se mantuvo por casi 9 semanas a mediados del año 1983.
Además fue la canción con la cuál MJ dejó con la boca abierta al mundo tras debutar con su nuevo paso: El mágico movimiento Moonwalk.
Ese histórico momento tuvo como fecha el 25 de Marzo de 1983 con motivo del especial musical Motown 25: Yesterday, Today, Forever. Fue en ese momento en que MJ no sólo entonaba su canción mas famosa sino que también desafiaba a los físicos y matemáticos(?) con su atractivo paso de baile que fue visto por 47 milloones de personas a través de la cadena NBC en Mayo de ese año.

Una canción galardonada con todos los premios que existen, y que se ganó la inmortalidad absoluta gracias a su popularidad. De hecho, tras la muerte de MJ "Billie Jean" empezó a sonar nuevamente con mas fuerza en todas las radios del mundo como un homenaje a uno de los íconos de la música Pop. Un grande, un genio, un clásico... El gran Michael Jackson!
Queeee la disfruuuten!

domingo, 1 de mayo de 2011

CRUEL SUMMER / BANANARAMA



"Cruel Summer" es una canción del grupo británico Bananarama, que fue lanzada como single un 23 de Junio del año 1983 promocionando su segunda placa comercial titulada simplemente "Bananarama", y con el cúal estas tres chicas se hicieron famosas por toda Europa.
Este reconocido trío de música Pop, integrado por las preciosas Sarah Dallin, Keren Woodward y Siobhan Fahey, dejaron su huella muy marcada durante la década de los 80's con canciones que se convirtieron en pocas semanas en hits que dieron la vuelta al mundo, y además llamaron la atención por ir mostrando una propuesta muy diferente ante todo lo que se paseaba por la escena musical de aquellos años.

Tras casi 4 años esperando la llegada de un hit, las chicas que formaban parte de Bananarama lograron grabar una canción que tenía pinta de algo serio, en cuanto a ventas.
Tras un buen debut con su LP "Deep Sea Skiving", de donde se sacaron varios cortes que fueron muy tocados por las radios británicas, las tres chicas empezaron a trabajar en su siguiete disco, el cuál tenía que dejar claro a la crítica que no se trataban de una simple banda desechable, y que ellas tenían todas las armas musicales para lograr un hit mundial.

Asi fue como en Abril del año 1983, en los estudios de grabación del sello London Records, las Bananarama grabaron una canción llamada "Cruel Summer", que estaba firmada por las tres integrantes de la banda más sus productores Tony Swain y Steve Jolley.
Esa canción, que como ya mencionamos ya tenía pinta de hit, hablaba sobre una mujer que se encuentra deprimida en medio de una ciudad que se ha revolucionado con la llegada del verano. Ella, que siente mucha pena porque su novio la ha dejado para siempre, siente que este es un "verano cruel". De esa temática nace la canción...

En Junio del año 2009, en una entrevista con The Guardian, Sara Dallin mencionó que " las canciones que marcan a la juventud son esas que salen en verano, ya que te recuerdan todos esos momentos gloriosos de las vacaciones. Pero en esta canción tocamos el lado oscuro de esos momentos: El calor sofocante mezclado con las penurias de una jóven que quería pasar un verano acompañada".
Ese juego de contrastes era un buen gancho comercial, ya que salía del molde de una típica canción veraniega llena de frases positivas, del coreado "todo está bien", del relajo extremo, las miradas a las chicas en bikini y todo lo demás que adorna ese cuadro tan colorido pero a la vez con un fuerte condimento cargado a la fantasía.

Con su llegada al puesto #8 del UK Singles charts en Julio de 1983, las Bananarama lograban nuevamente estar en el ruedo británico y ser tan populares como ya lo habían hecho un año antes. Pero aún quedaba un gran paso: Conquistar un buen lugar en los charts estadounidenses.
En primera instancia, el single que incluía a "Cruel Summer" sólo logró entrar en el puesto #66 del Billboard Hot 100.
Pero en 1984, las Bananarama lograban entrar al puesto #9 del Billboard gracias a que decidieron, a regañadientes, incluír esta canción en la banda sonora de la cinta The Karate Kid, que fue todo un suceso en Estados Unidos, y con ello elevó a la cima de la fama internacional a este trío británico.
Sobre esos días, Dallin recordó en esa entrevista con The Guardian: "Fue un gran éxito en EE.UU. Siempre recordaré ese momento en que salía de un hotel en Los Angeles y ví a Mike Tyson sentado en su auto escuchado "Cruel Summer". Cuando nos vió, él se acercó a saludarnos y felicitarnos..."

Años después, y tras ser consideradas como "el grupo femenino mas popular del Reino Unido", las Bananarama sufrieron su primer revés cuando Siobhan Fahey decidió abandonar la banda por problemas internos, y rápidamente fue sustituida por Jacquie O´Sullivan.
Con su nueva integrante, las chicas lanzan una nueva versión de esta canción titulada como "Cruel Summer '89", que incluía ciertos toques de Hip Hop. Esta versión volvió a ser un hit en el Reino Unido llegando al puesto #19 de los charts.

Pero el éxito de la canción no terminaría ahí, ya que en 1998 la banda sueca Ace Of Base realizó una versión de este hit ochentero y la logró meter nuevamente dentro del Top Ten británico y estadounidense.

Una canción apta para todo nostálgico de los 80's, y para recordar esos veranos crueles que más de algun ciudadano del mundo pudo tener...
Que la disfruten!!!!!!!!!!!!!